Дневник автора: Malakhov

Показать: За 24 часа (+0) | За 3 дня (+0) | За месяц (+8) | Все записи

Отображаются последние записи За все время Сортировать по популярности

Malakhov 17.01.2018 23:07
Обсуждение: 4 »   Просмотры: 235

Лонг Чин Сан - (1892-1995) - родился, жил и работал в Гонконге, первый китайский фотожурналист. Прожил 104 года, фотографировал почти 90 лет, практически не расставался с камерой. Хорошо рисовал, получил соответствующее образование. Впоследствии это определило его взгляды в фотографии, которая была основным делом его жизни. В 1927 году он стал одним из первых фото-журналистов, когда в Shanghai Eastern Times, куда его приняли, появилась первая в стране цветная печатная машина.
В 1939 году он усовершенствовал метод компоновки фото, который позволял ему совмещать несколько изображений. Результатом этого стали фотографии, включавшие в себя черты традиционной китайской техники живописи тушью, синтез китайской эстетики и западной фотографии. Стал основателем школы «китайского пикторeализма», соединяющего в себе фотографию и живопись. Темы его фоторабот перекликаются с традиционными мотивами китайской живописи: птицы, лодки, горы. Работы Лонга так и назывались «Снимок в живописи, живопись в снимке». Массовому зрителю на Западе Лонг практически неизвестен. За свою долгую карьеру внёс огромный вклад в популяризацию искусства фотографии в Китае.
После его смерти ежегодно Китайская Ассоциация Фотографов вручает премию имени Лонг Чин Сана. В 2004-2005 годах выставки его работ прошли в Мюнхене и Кёльне (Германия). В апреле-мае 2008 года в Национальном музее Истории в Тайбэе была открыта выставка «Красота всех времен: выставка памяти Лонг Чин Сана»

Читать дальше →
+20
Malakhov 10.12.2017 04:19
Обсуждение: 1 »   Просмотры: 231

Ярослав Рёсслер (1902-1990) был одним из чешских авангардных фотографов первой половины двадцатого века, чьи работы только недавно получили известность за пределами Восточной Европы. Чешская фотография в двадцатых и тридцатых годах была богата радикальными, модернистскими работами, основанными на принципах абстрактного искусства и конструктивизма.

Ярослав Рёсслер был одним из наиболее примечательных художников того времени. Он стал известен своим слиянием разных стилей, объединяющим элементы символизма, пикториализма, экспрессионизма, кубизма, футуризма, конструктивизма, объективизма и абстрактного искусства. Его фотографии часто сводили изображение к элементарным линиям и формам, которые, казалось, формировали новую реальность. Он фотографировал простые предметы на фоне черного и белого цвета, использовал длинные экспозиции для изображения туманных конусов и сфер света. С 1927 по 1935 год он жил и работал в Париже. Рёсслер использовал фотографические методы и композиционные подходы авангарда, в том числе фотограммы, большие детали, диагональный состав, фотомонтаж и двойные экспозиции, а также экспериментировал с цветными рекламными фотографиями и натюрмортами, напечатанными способом пигментной печати.

Некоторые из фотографий Ярослава Рёсслера включены в важные фотографические коллекции Музея декоративного искусства в Праге, Моравской галереи в Брно, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Художественного института Чикаго, Музея Дж. П. Гетти в Лос-Анджелесе, Центра Помпиду в Париже и Музея Фолькванга в Эссене.

Читать дальше →
+12
Malakhov 02.12.2017 13:59
Обсуждение: 9 »   Просмотры: 254

Яромир Функе (Jaromir Funke, 1896-1945) — одна из самых примечательных фигур в истории чешской фотографии первой половины XX века. В конце 1910-х годов, под влиянием своего знаменитого соотечественника Франтишека Дриткола, Функе бросает институт, и становится фотографом. Как и многие его современники, он начал с пикториализма, но уже в начале 1920-х отошел от него. В 1924 году за непримиримое отношение к пикториальной фотографии он был исключен из пражского фотоклуба. В том же году Функе, Судек и ряд других фотографов основали Чешское фотографическое общество.

Яромир Функе внимательно следил за авангардными течениями в мировой фотографии: на него оказали влияние ракурсы Александра Родченко, «новая предметность» Альберта Ренгер-Патча, эксперименты Ласло Мохой-Надя. Функе словом и делом откликался на все новости фотомира, пробовал свои силы в самых разных стилях от документальной фотографии до абстрактных натюрмортов. Занимался он и «фотографированием без фотоаппарата», хотя считал фотограмму определенным регрессом, своего рода кокетством с живописью — во всяком случае, так он писал, критикуя Ман Рея.

Функе в фотографии конструктор: и свет он воспринимает как строительный материал. Он применял принцип динамической диагонали для изображения статичных городских объектов, архитектуры или пейзажа так, как ни один другой фотограф: он умел вдохнуть жизнь, актуализировать объект, подать его в оригинальном виде. Диагональное композиционное решение, столь типичное для фотографий Функе, особенно хорошо видно на кадрах башен, труб, “чумных столбов”. Кадры эти сделаны наклоненным в сторону фотоаппаратом, чтобы объект разрезал формат по диагонали. Этот принцип композиции выглядит менее искусственно на пейзажных фотографиях (в высоту формата), перерезанных дорогами, аллеями, телеграфными проводами и мостами, где фотограф подчеркивает естественные диагонали линий - к ним он всегда испытывал наибольшую слабость. Элементы этих снимков объединены модерным, органическим для данного кадра замыслом, по которому динамически пульсируют и рвутся ввысь диагонали дорог, рельсов и заборов, вливая в фотографию новое мироощущение.

Читать дальше →
+20
Malakhov 19.11.2017 13:38
Обсуждение: 4 »   Просмотры: 251

«Die Kunst in der Photographie» («Искусство в фотографии») - первый в мире фотографический журнал, тематика которого касалась только фотоизображения и его эстетики, игнорируя все другие темы, и рассматривая художественную фотографию как международное явление. Выходил в Берлине, с 1897 по 1908 год. Фотографии на его страницах часто ностальгичны. Пейзажи и жанровые сцены демонстрируют сентиментальные изображения современной жизни. В то же время, портретные фотографии часто представляют собой попытку связать зрителя с личностью изображаемого субъекта, что, в определенной степени, демонстрирует разрыв с традиционными условностями фотографической портретной живописи. Вместо того, чтобы подчеркнуть буквальное сходство, эти фотографии обращаются к эмоциональному аспекту, часто изображая портретируемого в тени и с опущенными глазами.

Редактором и издателем журнала был Франц Герке, фотограф-любитель, родившийся в 1856 году в Кенигсберге. Будучи активным участником основанной им в 1889 году Ассоциации Свободных Фотографов (Free Photographic Association), Герке курировал «эстетическую часть» многочисленных фотографических выставок, связанных с его клубом, включая важную Международную выставку любительской фотографии (в Рейхстаге, 1896), а также выставок Королевской академии искусств в Берлине, в 1902 и 1905 гг.

За годы издания, в журнале были опубликованы работы 278 фотографов со всего мира. Трудно отрицать, что «Die Kunst in der Photographie» имел огромное значение в развитии фотографии. К сожалению, важность «Die Kunst in der Photographie» часто игнорируется в англоязычных исследованиях по истории фотографии.

Читать дальше →
+12
Malakhov 16.11.2017 22:44
Обсуждение: 33 »   Просмотры: 354

Gertrude Käsebier (1852 – 1934), американский фотограф-пикториалист.

Первоначально Гертруда хотела быть художником-портретистом. C 1889 по 1893 год она обучалась рисованию и живописи в Праттовском Институте. Фотографией она занималась самостоятельно, в качестве дополнения к основным занятиям живописью. В 1894 году Гертруда получила премию за лучшую фотографию от издания The Quarterly Illustrator. В том же году Гертруда отправляется в Европу с целью дальнейшего изучения живописи и фотографии. Будучи в Германии, Гертруда обучается у Германа Фогеля, опытного химика, с которым сотрудничал Стиглиц. Знакомство Стиглица и Гертруды Казебир стало новым этапом ее фотографической карьеры. Стиглиц активно продвигал работы Гертруды, публикуя их в "Camera Notes" и помогая ей с организацией выставок, одна из которых прошла в клубе Camera Work. Вскоре Гертруда стновится членом этого клуба.

В 1898 году Гертруда организовала портретную студию в Нью-Йорке.

Вместе со Стиглицем и Штайхеном она стала организатором Photo-Secession в 1902 году.

Активная фотографическая карьера Гертруды охватывала менее двух десятилетий, с конца 1890-х по середину 1910-х годов, но масштабы ее работы широки: от портрета и пейзажа до жанра и аллегории. В ее замечательных портретах представлены фотографы и художники, в том числе Стиглиц и Штейхен, Адольф де Майер, Роберт Анри и Огюст Родэн.

Читать дальше →
+10
Malakhov 10.11.2017 14:56
Обсуждение: 21 »   Просмотры: 259

Эмиль Иоахим Констант Пуйо (1857-1933) – крупнейший представитель французской школы пикториализма. Около 1890 года началось его увлечение фотографией, поначалу, в качестве любителя, но уже в 1894 году Пуйо присоединяется к Photo-Club de Paris, основателями которого были Робер Демаши и Морис Букет. Парижский Фотоклуб, созданый в 1888 году, ставил своей целью пропаганду эстетики изобразительного искусства.

Женщины, позирующие с цветами или в окружении идиллических ландшафтов, были излюбленной темой пикториалистов, стремившихся воплотить женский идеал в своих работах. Женские образы, созданные Константом Пуйо, отличаются тонким лиризмом и подчеркнутым изяществом исполнения.

Фотографии Пуйо публиковались в таких солидных изданиях, как «Die Kunst in der Photographie». Чтобы сделать фотографии менее резкими, Пуйо широко использовал рассеянный свет; он разрабатывал мягкорисующие объективы и модифицировал процессы печати в целях создания живописных эффектов. Пуйо - автор ряда статей, опубликованных в Бюллетене Парижского Фотоклуба. Констант Пуйо был одним из учредителей первого фотосалона, работа которого основывалась на эстетических принципах Парижского Фотоклуба. Перу Пуйо принадлежит несколько книг по искусству фотографии и фотографической печати. В течение продолжительного времени Констант Пуйо был активным участником Société Française de Photographie и Brotherhood of the Linked Ring, международной организации фотографов, находящейся в Лондоне.

С началом Первой мировой войны, когда Робер Демаши оставил фотографию, Пуйо оставался наиболее заметным участником Парижского Фото-Клуба, даже в то время, когда влияние и очарование пикториализма в глазах фотографов начали ослабевать.

Читать дальше →
+14
Malakhov 04.11.2017 14:20
Обсуждение: 11 »   Просмотры: 271

«Некоторые говорят, что он фанатик, эксцентричный,

другие настаивают на том, что он один из редких фотографов,

у которых есть идеи, которые будут продолжаться.

Такое противоречие не должно нас удивлять,

оно всегда ассоциировалось с теми,

чьи имена стали известными в литературе и искусстве ...»

- Кирилл Менард

Родившийся в богатой торговой семье в Лилле, Пьер Дубрюй (1872-1944) был заметной фигурой в европейских пикториалистических кругах. Многие из его соратников-пикториалистов предпочитали пасторальные или аллегорические сюжеты, Дубрюй же был проникнут эрой машин.

Он считается одним из ранних модернистов, снимавшим, с неожиданной перспективой, городской пейзаж. Крупные планы машин - символ современной эпохи, одна из тем творчества фотографа. В своих работах и высказываниях Дубрюй неизменно подчеркивал дизайн и идею, а не содержание. «Каждая работа должна быть выражением идеи [...] Это никогда нельзя оставлять на волю случая ... Я планирую почти все мои работы заранее».

На его творчество, как полагают, оказывали большое влияние кубизм, футуризм и сюрреализм.

В 1932 году Пьер Дубрюй стал президентом Association Belge de Photographie (Бельгийская фотографическая ассоциация), а венцом его карьеры стал 1935 год, когда фотограф был удостоен ретроспективы в Королевском фотографическом обществе в Лондоне.

После смерти, в 1944 году, работы фотографа были в значительной степени забыты. Интерес к его творчеству был возрожден Томом Джейкобсоном, фотографом из Сан-Диего, коллекционером и дилером, который искал сохранившиеся фотографии Дубрюя в Европе.

Собранные Джейкобсоном фотографии послужили основой выставки работ Дубрюя, организованной Центром Жоржа Помпиду в Париже (1988).

Читать дальше →
+20
Malakhov 22.10.2017 04:48
Обсуждение: 3 »   Просмотры: 319

«Надо пользоваться фотоаппаратом как кистью,

посредством которой передавать зрителю замысел,

настроение, вкус в выборе натуры, освещении»

Сергей Александрович Лобовиков (1870−1941)

Сергей Лобовиков родился в семье сельского дьячка в селе Белое Глазовского уезда Вятской губернии. Серьезного образования ему получить не удалось: несколько лет Сергей Александрович провёл в сельской школе, затем поступил в духовное училище. После смерти родителей 13-летний Сергей был отправлен в Вятку, отдан «за харчи и жильё» учеником владельцу фотоателье, первому своему фотонаставнику купцу Петру Тихонову. Важно отметить, что сам хозяин был не простым рядовым фотографом — по его негативам издавались открытки с видами города, снимал он и вятских ремесленников (эти работы также вышли в свет в виде открыток). Лобовиков провел у Тихонова в помощниках долгих 5 лет. Через много лет Петр Григорьевич скажет о своём бывшем ученике: «Он потому так выбился на дорогу, что у него воля недюжинной силы».

Лобовиков работал и учился, много читал – книги по истории, философии, анатомии, психологии, истории и теории искусства. Ездил по российским городам, за границу (1900 – 1903), бывал на фотовыставках, впитывал фотонауку у великих мастеров. К примеру, в Германии ему понравилась техника фотопечати, умение посадить модель; дать нужное освещение заимствовал у парижских специалистов.

Наблюдательный фотограф, однако, признавал: «Из профессиональной фотографии я ничего не вынес – всюду заглаженные лица, иногда до потери настоящих форм. Они меня больше раздражали: это не искусство, это ремесло, лубочность, что ли, как угодно называйте защищённое ретушью лицо». – Лобовиков совершенствовался, искал свой путь в искусстве, свои темы, технику съёмки и печати, средства художественной выразительности.

Разработанные специальные способы печати: пигментная, гуммиарабиковая, масляная и некоторые их разновидности позволяли Сергею Александровичу существенно менять рисунок, варьировать контрастом, стилизовать изображение «под живопись» и «под гравюру».

В 1900 г. работы Лобовикова начинают методично завоевывать признание на всероссийском и европейском уровнях. Мастер отправляет свои снимки на самые разные выставки. Признание не заставило себя долго ждать. Не единожды Сергей Александрович добивался побед, принимая участие в международных выставках проходивших в Москве и Санкт-Петербурге, Ницце и Киеве, Будапеште, Дрездене и Гамбурге.

Значительную часть наследия Лобовикова составили стереонегативы – известно более 500 экземпляров. Они выполнены вераскопом – самым совершенным в то время специальным аппаратом для стереосъёмки. Малый размер аппарата позволял фотографу незаметно работать в толпе, на рынке или митинге. Поэтому стереоскопические жанровые снимки имеют такой непосредственный и правдивый характер.

«Учитесь всему, чему позволяет время, средства, способности, не тратьте жизнь впустую!»

С.А. Лобовиков

Читать дальше →
+15
Malakhov 17.10.2017 14:27
Обсуждение: 10 »   Просмотры: 289

«Свет благословляет все,

он трансформирует и облагораживает

самые обычные и привычные предметы»

Leonard Misonne

Леонард Мизон (1870-1943), бельгийский фотограф-пикториалист. Пейзажи и уличные сцены этого фотографа относятся к наиболее выразительным пикториальным фотографиям в этих жанрах. Иногда Мизона, широко использовавшего контровый свет и его эффекты при съемке, называют фотографом света и атмосферы. С 1897 года, как участник Бельгийской Фотографической Ассоциации, Мизон начинает представлять свои работы публично. Однако, Мизон избегал общества других пикториалистов, иногда общаясь только с Константом Пийо и Пьером Дюбрейлем. Мизон разрабатывал различные техники печати и съемки, одним из его изобретений был смягчающий изображение экран «Flou-Net», который устанавливался во время съемки перед камерой. Фотографии зрелого периода творчества Леонарда Мизона очень живописны, выполнены в духе импрессионизма, благодаря использованию фотографом различных техник фотопечати: масляной, бихроматной и, изобретенному им, медиобромному процессу. Статьи Мизона, в которых он описывал применяемы им техники и процессы печати, публиковались в таких изданиях, как American Annual of Photography, American Photography, Camera, Photo-Art Monthly. Его фотографии публиковались в журнале CameraNotes, главным редактором которого был Альфред Стиглиц. К сожалению, часть архивов Мизона была утрачена в ходе немецкой оккупации Бельгии в годы второй мировой войны.

Читать дальше →
+22
Malakhov 13.10.2017 12:29
Обсуждение: 14 »   Просмотры: 367

Робер Демаши (1859 - 1936) -французский фотограф-пикториалист.

Наиболее известен своими сильно обработанными отпечатками, которые демонстрируют отличное живописное качество. Демаши находился под сильным влиянием художников-импрессионистов и большую часть своего времени занимался фотографированием и разработкой своих теорий по фотографии, как технической, так и эстетической.

Демаши одним из первых стал использовать при изготовлении отпечатков процесс гумбихромата и вскоре он разработал свой стиль связанный с манипуляцией с изображением как во время работы с негативом так и во время печати фотографии. Он много писал статей на эту тему, популяризуя этот процесс среди фотографов. В этом же году Демаши вместе с Пуйо, Ле Беге и Бюке организует первый в Париже Салон Фотографии основанный на принципах пикторализма и в 1895 году проходит первая выставка работ Демаши сделанных по методу гумбихромата.

К началу двадцатого века Демаши был, пожалуй, самым выдающимся фотохудожником Франции. В 1905 году вступил в фотографическое общество Linked Ring и заслужил признание лондонского Королевского фотографического общества. Робер Демаши публиковал свои работы в журнале Альфреда Стиглица Camera Work. Его выставки проходили в Париже, Вене, Нью-Йорке, Лондоне.

В течении первого десятилетия 20-го века Демаши написал более тысячи статей и несколько книг посвященных фотографии. С 1901 по 1911 год прошло пять его персональных выставок, что было беспрецедентно для своего времени. В 1905 году он был избран членом Королевского Фотографического Общества. В 1906 году он отказывается от процесса гумбихромата в пользу бромойля и вскоре он усовершенствовал этот процесс. Это позволило ему ещё смелее экспериментировать с его визуальным стилем.

Читать дальше →
+26
 
 
***
Обсуждение